SAUNA
UNA REVISTA DE ARTE
Por Juanita Sánchez / 17 agosto 2011
UNA REVISTA DE ARTE
Por Juanita Sánchez / 17 agosto 2011
Calor, vapor, transpiración; un espacio cerrado, de reunión al desnudo, donde se liberan toxinas y se activa la circulación. Lejos de la idea tradicional de una revista de arte, Sauna pretende ser un espacio de pensamiento activo, acalorado, para abrir los poros y permitir un acercamiento profundo con el panorama artístico local.
Con tan solo un año de vida, Sauna está logrando encontrar un lugar destacado dentro de las revistas artísticas de su género: virtual y contemporánea. Relativos exclusivamente al ámbito de la plástica, sus artículos presentan temáticas variadas que se inclinan hacia la observación y análisis de todo tipo de eventos, actividades o quehaceres artísticos: reseñas sobre muestras, entrevistas a artistas, o reflexiones propias de la producción teórica.
El comité editorial (grupo fundador y directivo también) está compuesto por seis amigos que comparten liderazgo y responsabilidades: Dany Barreto, Guido Ignatti, Marcelo S. Dansey, Mariano Soto, Juan Batalla y Charlie Goz. Junto a ellos trabajan también colaboradores invitados, cronistas y encargados del diseño Web. Es un trabajo en equipo, que funciona de manera horizontal, conjugando los aportes individuales de seis cabezas distintas, con orígenes disciplinarios diferentes y enfoques artísticos múltiples. Sin embargo dentro de esta aparente diversidad, puede afirmarse que son más los puntos que los unen: un interés vívido por la plástica y sus circunstancias; un proyecto comunicativo abierto, donde las temáticas intelectuales bajan sus aires de soberbia aterrizando más cerca del suelo y la humanidad, y finalmente, una intensión de seducción y provocación. Estas últimas características, la seducción y la provocación, no son solo un gancho de atracción, una estrategia para convocar adeptos, son en realidad una ideología estructural presente en cada uno de los textos mensualmente publicados. Hay una presencia crítica, argumentativa, que intenta poner en discusión aquello que gusta o que disgusta del campo del arte, aquello que se piensa merece ser reseñado o, si las circunstancias lo ameritan, desechado, porque, vale la pena resaltarlo, el trabajo en equipo incluye largas jornadas de reunión editorial en búsqueda de las elecciones temáticas consensuadas para cada edición.
Cada uno de los “saunos” tiene sus métodos para escribir, para buscar un estilo y un lugar propio. Hablamos con Mariano Soto de los suyos particulares, y nos dijo que ha sido todo un proceso. Al principio sus formas eran más académicas, como monografías, donde incluso citaba otros autores en pies de página numerados, pero con el paso del tiempo y las ediciones ha ido soltándose y adquiriendo la autoconfianza suficiente para respaldar sus propias opiniones desde la libertad.
Sucede algo similar con los gustos y afinidades en el terreno del arte. Cada quien decide hacia donde apuntar su nota, procurando no generar tendencias marcadas. Intentan dar cabida a todos los medios y artistas, desde lo más convencional hasta lo más tecnológico o contemporáneo, desde el artista joven emergente hasta el más famoso y consagrado.
El crecimiento que esta teniendo Sauna es innegable. Se suman lectores cada día y esto obedece en gran medida a su carácter digital. Según Mariano, las ventajas derivadas de ser una revista en la web son muchas. La más evidente es tal vez, la inmensa difusión que ha llegado a tener. Es mucho más fácil que una persona interesada por un artículo lo comparta en un mail o le envíe el link a 15 amigos, que compre 15 revistas en papel y las distribuya entre ellos. Las ventajas de la información virtual, que hoy en día nos toca tan directa y cotidianamente, son utilizadas en este caso por la revista para llegar a muchos mas ojos que los que podrían aspirar con la revista tradicional. Las publicaciones impresas tienen un valor distinto, es verdad, un carácter objetual que colinda con lo poético, pero para resultados prácticos, la difusión por Internet es mucho más eficiente.
En a+c sabemos muy bien de esto. Y por ello, estamos hoy recomendándoles esta nueva y amiga revista de arte. Esperamos que, al igual que nosotros, encuentren el placer de la lectura y la discusión artística en sus letras.
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UN CHANGUITO ONÍRICO
Y OTRAS
COSAS DEL MASSURREALISMO
Por Juanita Sánchez / 16 junio 2011
Para quienes no viven en Argentina, changuito es el nombre con que popularmente se conoce a los carritos de supermercado. Aunque generalmente no solemos detener nuestra mirada en estos objetos (basta estar 5 minutos en la entrada de un supermercado para ver como vienen y van, pasan de mano en mano y después son acumulados en montañas horizontales por chicos de uniforme extravagante sin que nadie repare en su presencia ni frunza el ceño con el mas mínimo atisbo de reflexión) las connotaciones implícitas de este sencillo elemento son infinitas. No es simplemente una cesta para transportar objetos, es una herramienta para la compra en masa, una metáfora del consumo. Una práctica solución, y no es casual que esto suene a slogan publicitario, para hacer más cómodo y placentero el placer de comprar.
Desde hace varias décadas ya, el arte se ha ocupado de este tipo de reflexiones. El movimiento Pop, por ejemplo, que desde Europa y Norteamérica impregnó museos y galerías de iconografía comercial, etiquetas de jabón y sopa, y rostros de estrellas de Hollywood y personajes de comics es todavía un referente muy fuerte para las producciones artísticas contemporáneas. El rol de los medios masivos de comunicación, conocidos incluso en países hispanohablantes como mass media, ha sido detonante de una gran diversidad de reflexiones, teorizaciones, obras de arte y literatura. Es inevitable.
Las preguntas más trascendentales de nuestra existencia están atravesadas, hoy en día, por estos sistemas capitalistas, globalizados, mediatizados y corporativos dentro de los cuales vivimos.
Dentro de la gran multiplicidad de reflexiones (y posturas) acerca de los mass media, aparece en la década del 90 un artista norteamericano cuyo trabajo inserta iconografías de consumo popular en espacialidades ficticias y de fantasía. Su nombre es James Seehafer y desde hace dos años que se encuentra viviendo en Argentina.
Producto de varios viajes por el mundo y sus experiencias más recientes en estas latitudes, el próximo Sábado 18 de Junio, se inaugurará su primera muestra individual en la Cuidad de Buenos Aires.
Para Seehafer su quehacer artístico no tiene tintes políticos ni críticos intencionales, es simplemente un ejercicio visual, de apropiación del mundo circundante, de agudización de la mirada y de imaginación. En 1992 utilizó por primera vez el término “Massurrealism” para, por petición de terceros, bautizar de alguna forma su estilo. Inesperadamente otros artistas empezaron a interesarse en su trabajo, y a tener propuestas similares, explorando los mismos caminos de hibridación entre dos territorios aparentemente tan distantes como lo son el pragmatismo del consumo y la poesía de la fantasía. La asociación con el surrealismo, vanguardia de la primera mitad del siglo XX, es decir de hace relativamente 100 años, viene dada por el trabajo con el inconsciente, con la creación de paisajes imposibles y atmósferas oníricas. Este tipo de espacialidades surgen de la combinación, a manera de collage digital, de diferentes espacios “reales”: una esquina de Berlín en una calle porteña, una escultura neoclásica en una montaña mendocina; Seehafer lo denomina una “asociación libre de influencias contemporáneas”.
Aunque su formación temprana fue en artes, su ejercicio profesional posterior lo llevo a conocer el mundo del diseño web y la fotografía de moda. Estas experiencias son evidentes cuando se observa su obra actual: grandes plotters, imágenes limpias y pulcras, una clara estética contemporánea. Sus herramientas fundamentales son la fotografía digital y el Photoshop, pero podríamos incluir también su espíritu viajero y experimentador. El resultado formal dialoga sin problema con la temática que interesa a Seehafer pues, como el mismo lo dice, citando a Marshall McLuhan “el medio es el mensaje”.
Inauguración:
Sábado 18 de Junio del 2011 / 18 hs
Espacio Icalma. Pasaje Icalma 2047. C.A.B.A
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EL EFECTO DIBUJO MADRID
Por Juanita Sánchez / 06 junio 2011Como una bola de nieve que crece sin medida en su descenso vertiginoso por la montaña, Dibujo Madrid es una iniciativa que cada vez se está haciendo más fuerte.
Cada semana en la Tabacalera, una antigua fábrica de tabacos madrileña ahora centro cultural, se reúnen un promedio de 50 o 60 personas (a veces han llegado a 100) con un único objetivo en común: dibujar. No importa si se viene o no del ate, si se tiene o no formación, el único requerimiento para participar es tener ganas de dibujar y compartir un momento divertido con amigos, solo que un poco más creativo que reunirse simplemente a charlar; un ocio responsable.
Todo empezó el 13 de Abril del 2010 en una especie de “cita a ciegas” donde un grupo de amigos, recordando sus años universitarios y su compartido gusto por el dibujo, decidieron usar cualquier cosa de modelo y empezar a dibujarla. El encuentro se repitió la semana siguiente y luego la otra, algunos amigos se sumaron y luego amigos de los amigos, y pronto se vió necesario moverse a un espacio más grande. También sucedió que el modelo se fue transformando. Un día uno de los asistentes no quería dibujar y su ocupación fue entonces contar una historia mientras posaba. Hoy en día se invitan actores, bailarines o músicos que a la vez que sirven como modelos realizan breves interpretaciones o puestas en escena. También se utilizan elaboradas ambientaciones, preparadas previamente bajo una temática particular y con una producción minuciosa de vestuario e iluminación.
De los 4 participantes iniciales, Lucas Agudelo es quien tomó las riendas del proyecto y quien actualmente dirige también Mundo Dibujo. Lucas nos cuenta que Mundo Dibujo nació de la necesidad de agrupar y dar forma a iniciativas similares en otras ciudades alrededor del mundo. Tan pronto como Dibujo Madrid comenzó a popularizarse (gracias al “boca a boca” básicamente) personas en otros lugares quisieron imitarlo. Esta era una derivada maravillosa, siempre y cuando lograse mantenerse el esquema original con el que nació: un encuentro donde se prioriza la amistad y la buena onda, gratuito e imparcial, donde todos los dibujos y autores tienen el mismo valor y derecho de exhibición. Dibujo Madrid ha contado con la presencia de ilustradores reconocidos de Marvel (comics) o Dior (moda) pero sus trabajos tienen la misma importancia que los de un ama de casa o un gerente de un banco.
Los dibujos resultantes después de cada sesión pertenecen a sus autores y son ellos mismos los encargados de escanearlos y enviarlos para que sean publicados en la página Facebook de Dibujo Madrid. Todos estos álbumes son anónimos y nadie debe (ni puede) utilizarlos como estrategia de auto-promoción. Sin embargo, cuando una persona es un fiel y activo participante puede pedir que le publiquen un “monográfico” (o álbum personal) con varios de sus dibujos. Lucas es claro cuando afirma: “No es un proyecto de exhibición de dibujantes sino de encuentro social a través del dibujo”.
También ha ido creciendo el interés de los participantes por involucrarse en el proceso de producción “escenográfica” que se utiliza para cada sesión. Muchas veces con semanas o meses de antelación, las personas solicitan una fecha para llevar a cabo su propuesta. Todas son bienvenidas y cuando se necesita ayuda para la elaboración de los objetos o el vestuario Lucas ofrece su taller (es artista plástico). Algunas de las mejores logradas han sido la Nº 40 sobre “Los Miserables” y la Nº 59 sobre Lucha Libre (donde incluso de utilizó un ring de boxeo profesional).
Las plataformas virtuales (Facebook y Blog) han sido un apoyo innegable y actualmente cumplen un rol igual de trascendental al encuentro “en persona”. La página Facebook tiene 1145 seguidores y la visita gente de todas partes del mundo. Es tal su llegada global que ya existen Dibujo Alicante, Dibujo Murcia, Dibujo Barcelona, Dibujo Bogotá, Dibujo Cali y Dibujo Managua. Estos Dibujos se rigen bajo las normas de Mundo Dibujo y han pedido autorización a Lucas para llevar a cabo su proyecto. Él aclara que es un “control simbólico” pues si bien es el encargado de dar la unidad, cada proyecto local autogestiona su espacio, convoca a la gente y decide su frecuencia (aunque se sugiere que no sea mayor a un mes).
Estos son Dibujo Madrid y Mundo Dibujo, y la bola de nieve sigue rodando. Para Lucas ha sido un proceso rápido y natural, -es un poco una utopía- menciona, una fiesta/encuentro- social/educativo (siempre, al finalizar la sesión, se quedan tomando cerveza y comentando la experiencia).
“Las cosas pueden ir cambiando y las consecuencias derivadas son posibles y están dentro de las expectativas” concluye Lucas.
Dibujo Madrid
Dibujo Ciudad
a + c, está actualmente gestionando la apertura de un "Dibujo Buenos Aires", ya tenemos el permiso de Mundo Dibujo. Tan pronto como confirmemos el espacio estaremos informando fechas de inicio…... ¡Mantenganse informados!___________________________________________________________________________________________________________
TERMINÓ ArteBA 2011
TRES COMENTARIOS
TRES OBRAS PARA RESCATAR
Por Juanita Sánchez / 30 mayo 2011
No creo que sea necesario detenerme en la trascendencia que ArteBA tiene para el circuito artístico argentino y latinoamericano o en el notable desarrollo que ha tenido a lo largo de 20 ediciones desde 1991. Tampoco creo necesario resaltar como artistas, galerías, fundaciones y publicaciones encuentran en su participación una forma de avalar sus propuestas e incrementar sus ganancias, logrando insertarse dentro de la indescifrable pero tan codiciada institucionalidad artística.
Creo, sin embargo, que justamente por esta condición de evento cumbre , donde los records de asistencia masiva y ventas aumentan vertiginosamente año tras año, es necesario agudizar la mirada y tratar de buscar, como quien busca una aguja en un pajar, aquellas propuestas que se salen de la espectacularidad y el brindis con champagne. Propuestas que vienen de reflexiones rigurosas, que no nacen divas y que tanto la factura, la conceptualización o los azares del destino las hacen merecedoras de una segunda mirada, tal vez una tercera, y de un par de googleadas también, como para contextualizar.
Creo, sin embargo, que justamente por esta condición de evento cumbre , donde los records de asistencia masiva y ventas aumentan vertiginosamente año tras año, es necesario agudizar la mirada y tratar de buscar, como quien busca una aguja en un pajar, aquellas propuestas que se salen de la espectacularidad y el brindis con champagne. Propuestas que vienen de reflexiones rigurosas, que no nacen divas y que tanto la factura, la conceptualización o los azares del destino las hacen merecedoras de una segunda mirada, tal vez una tercera, y de un par de googleadas también, como para contextualizar.
Action- Instruments Box
En una esquina del stand de galería holandesa Mirta Demare, se exhibía lo que bien podría ser una presentación del departamento de marketing de alguna multinacional: posters con tablas de porcentajes, datos comparativos de precios al mercado, y una vitrina con documentación de soporte. En realidad todos estos objetos hacen parte de un set de instrumentos críticos del arte, y los datos que muestran pertenecen a dos de las principales casas internacionales de subastas de arte: Sotheby`s y Christie`s. Al lado, con una presentación y diseño impecables, encontrábamos la caja contenedora de estos objetos, lista como para ser tomada de cualquier góndola del supermercado.
La propuesta de Alicia Herrero, una artista cuyo trabajo investiga los limites de los géneros artísticos en el marco ideológico del arte dentro del sistema capitalista, era invitarnos a coleccionar, producir y reunir nuestras propias revelaciones y evidencias para generar juicios y argumentos acerca de las actuales reglas del mercado del arte.
Esta obra hace parte del proyecto: Action Market & Money que busca, a través de la investigación y la imaginación, reflexionar sobre el impacto del mercado, el dinero y los negocios en nuestra percepción del arte
Esta obra hace parte del proyecto: Action Market & Money que busca, a través de la investigación y la imaginación, reflexionar sobre el impacto del mercado, el dinero y los negocios en nuestra percepción del arte
Invention of the Time Passed
Un hombre vestido con un guardapolvo blanco hala sistemáticamente un hilo negro colgado de dos poleas que vuelven en círculo. Es una acción mecánica, interminable, y a su lado vemos dos ovillos del mismo hilo y un tejido sin terminar colgado en la pared. Esta obra del artista rumano Anca Munteanu Rimnic fue presentada por la galería PSM, de Berlín, en el espacio del Proyecto U-TURN Project Rooms. Éste es una nueva sección en la feria patrocinada por la marca Mercedes-Benz y este año fue invitada como curadora la iraní-norteamericana Abaseh Mirvali.
Todo suena muy bien, pero quiero comentar un incidente desafortunadamente usual, relativo al acercamiento del público a obras contemporáneas como las acciones o el arte conceptual: el performer, un hombre contratado para halar el hilo los 4 días de feria, 8 horas por día, cansado del silencio mortal de su trabajo y las caras de interrogación de quienes lo miraban (también, tal vez, contagiado de la euforia de protagonismo que su rol demandaba) empezó a “explicar” la obra: a él le pagaban fortunas por estar ahí, la obra tenía algo que ver con un mito griego, y ¿el tiempo y la repetición mecánica y sin sentido? bueno, eso no era lo que decía el galerista, pero si lo esperábamos de que volviera de tomar un café el nos lo “confirmaba”… No valió nada que le dijera que estaba recortando la lectura. Le sugerí a la gente: No se quede con la interpretación del señor… su lectura es también valida, pero fue una llamada sorda.
Roto
Tuve la suerte de llegar a observar a la tucumana Belén Romero Gunset armada de mazos, martillos, taladro, una sierra eléctrica y más herramientas destruyendo cajas, mesas, sillas, juguetes y cuanto objeto tenía al lado. Una habitación del destrozo, lo llamó Alicia de Arteaga, del diario La Nación. Para mí fue más bien la chica de la furia, quien después de un extenso tiempo de catarsis iba perdiendo la fuerza de destrucción. Los restos materiales eran un nuevo paisaje de basura y sentimientos ecologistas me confrontaron.
Esta obra fue finalista del Premio ArteBA-Petrobras de Artes Visuales curado por Sonia Becce y Claudio Iglesias.
Esta obra fue finalista del Premio ArteBA-Petrobras de Artes Visuales curado por Sonia Becce y Claudio Iglesias.
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54° BIENAL DE VENECIA
COMIENZA LA CUENTA REGRESIVA
El 4 de junio se dará inicio a la 54° edición de la Bienal de Venecia, la cual se extenderá por 5 meses hasta el 27 de noviembre. Este año, la feria internacional está bajo la curaduría de la historiadora, crítica y teórica del arte, Bice Curiger ; siendo en esta oportunidad la temática propuesta ILLUMInazioni – ILLUMInations
Este año, participan 83 países en la feria internacional, de los cuales 8 países latinoamericanos poseen pabellón nacional *
Así mismo y como lo viene realizando desde 1972, el IILA (Instituto Italo- Latinoamericano) institución invitada por la Bienal, es quien organiza el pabellón América Latina, el cual este año, por primera vez, reunirá a 20 artistas latinoamericanos. Dicha muestra, organizada por la Secretaria Cultural del IILA, Patricia Rivadeneira y el curador del pabellón, Alfons Hug, se titula “Entre Siempre y Jamás”, cita de un poema del escritor uruguayo Mario Benedetti y estará dedicado a los Bicentenarios de las Independencias Latinoamericanas, recuperando las significaciones de Independencia y Patrimonio Cultural, articulando sus ecos temporales y locales a través del Arte.
Las obras de la exposición darán cuenta de las decisivas transformaciones políticas, sociales y culturales a las cuales los estados americanos se ven sometidos en la actualidad y es obre estas temáticas que han reflexionado los artistas invitados**
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* Argentina (Adrián Villar Rojas) , Brasil (Artur Barrio), Chile (Fernando Prats), Costa Rica (Luis Chacón, Francisco Córdoba, Silvia Fossati and Raffaella Rosa Lorenzo, Gianfranco Meggiato, Gavin Rain, Jaime David Tischler, Patrizio Travagli, Horst Uhlemann, Alec Von Bargen, Luca Zampetti), Cuba (Alexandre Arrechea, Alessandro Busci, Yoan Capote, Felipe Cardeña, Duvier Del Dago, Giorgio Ortona, Alessandro Papetti, Eduardo Ponjuàn, Desiderio) , México (Melanie Smith, Rafael Ortega), Uruguay (Alejandro Cesarco, Magela Ferrero) y Venezuela (Francisco Bassim, Clemencia Labin, Yoshi)
** Leticia El Halli Obeid (Argentina), Narda Alvarado (Bolivia), Neville D´Almeida (Brasil), Sebastián Preece (Chile), Juan Fernando Herrán (Colombia), Sila Chanto (Costa Rica), Reynier Leyva Novo (Cuba), María Rosa Jijón (Ecuador), Walterio Iraheta (El Salvador), Regina José Galindo (Guatemala), Escultura voudou patrimonial (Haití), Adán Vallecillo (Honduras), Julieta Aranda (México), Rolando Castellón (Nicaragua), Humberto Vélez (Panamá), Claudia Casarino (Paraguay), Fernando Gutiérrez (Perú), David Pérez Karmadavis (República Dominicana), Martín Sastre (Uruguay), Alexander Apóstol (Venezuela).
